Alessi's The Last Pot exhibition 

2025年米兰设计周上，百年意大利器物品牌Alessi以"归寂之器"（The Last Pot）特展，将骨灰坛这一被长期忽视的容器推至聚光灯下。这场集结了十多位国际设计大师的跨界实验，不仅重新定义了纪念容器的美学坐标，更以设计语言叩问现代社会对死亡的态度，为生命终点赋予全新的情感维度。

"我们一生都在创造容器，但从未为生命的终点设计容器。"Alessi品牌灵魂人物阿尔贝托·阿莱西的这句话，道出了这场展览的深层动机。从1881年创立之初的咖啡壶工坊，到如今涵盖厨房器具、家居装饰的全球设计帝国，Alessi始终以容器为核心母题。此次展览既是品牌百年器皿探索的总结，也是对设计边界的勇敢拓荒。

阿莱西先生策展时坦言，选择骨灰坛作为命题，既源于其"创造惊喜"的职业信仰，更是对设计伦理的终极拷问。在工业化浪潮中被功能主义裹挟的设计界，是否已经遗忘了容器作为"记忆容器"的本质？当骨灰坛从宗教仪式的附属品，转变为现代家庭中承载情感的日常物件，设计师是否有责任为其注入新的美学意义？这些命题构成了展览的精神内核。

深泽直人运用未上釉的陶土作为骨灰坛的材质

日本设计大师深泽直人提交的作品"土屋"，以未上釉陶土塑造出拙朴的传统日式房屋。墙面镂空的窗格与木门设计，既保留了东方建筑的呼吸感，又巧妙展示内部可镌刻金属内胆。当手指触碰陶土表面刻意保留的不规则纹理，时间的温度与生命的重量在掌心交汇。

Michele De Lucchi ，以风格独特的房子为造型

"家不仅是物理空间，更是情感的容器。"深泽直人的设计哲学在此得到完美诠释。同样以"家"为隐喻的意大利建筑师Michele De Lucchi，更进一步创作了人宠共用的骨灰坛组。橡木与桦木构建的双联容器，通过材质的温润质感消解死亡的冰冷感，将人与宠物的情感纽带延续至永恒。

David Chipperfield设计的容器采用镀银钢打造，呈现为一个扁平化的球体

英国建筑师大卫·奇普菲尔德（David Chipperfield）和塞浦路斯裔设计师Michael Anastassiades这两位以简洁设计风格闻名的大师，都不约而同地选择了金属材质来展现骨灰罐的庄重与永恒。大卫·奇普菲尔德的设计目标是让骨灰罐在极为私密的场合中，成为一个不张扬的存在，以极简线条勾勒出时间的静谧。

Michael Anastassiades，金属材质的蛋形骨灰坛

Michael Anastassiades的设计使用了镀银钢材质，外形是一个扁平的球体，线条简洁流畅。其表面经过精细处理，呈现出一种低调而内敛的光泽。这种设计没有过多的装饰，也没有强烈的情感表达，而是营造出一种宁静、平和的视觉效果，仿佛是一枚在时间长河中静静沉淀的温润卵石，等待着人们的触摸与缅怀。

Daniel Libeskind ，「Khora」

著名建筑师丹尼尔·里伯斯金（Daniel Libeskind）为Alessi设计的作品名为“Khora”，旨在通过一种简约而普遍的几何形态——“方中之方”，来探讨“永恒”这一深邃的主题，并希望该设计能够完美地融入当代的生活环境之中。

 从正面看，“Khora”呈现出简洁的二维平面方块造型，显得庄重而宁静。然而，当从侧面观察时，人们会发现中央的立方体实际上是由两片透明玻璃板巧妙支撑的，这种独特的设计营造出一种悬浮的视觉效果，同时赋予了作品强烈的三维空间感。体现了对生命、死亡与永恒等哲学命题的深刻思考，将建筑理念巧妙地融入日常生活用品的设计之中，赋予了普通物品以非凡的意义和价值。

EOOS 设计的骨灰防腐层可分开成为三个部分

奥地利设计团队EOOS以金属为主要材质，设计了一款名为“图腾”（Totem）的骨灰罈。其创新之处在于，整个骨灰罈能够拆分为三个独立且功能完备的小罐。这种设计不仅在造型上呈现出雕塑般的美感，还为骨灰的使用带来了新的思路，比如可以实现分享、分别存放，甚至将小罐用于其他目的。这一设计成功地打破了骨灰坛作为单一、封闭容器的传统认知。

Audrey Large's urn was made from pink marble

新锐设计师奥黛莉·拉吉（Audrey Large）的作品显得格外引人注目，她带来了一件粉色大理石骨灰坛。运用数字雕塑技术，将坚硬的大理石雕刻出流畅的线条和有机的形状，仿佛让石材拥有了自然生长的灵动性。而 粉嫩的色调更是打破了人们对纪念性物件传统、严肃印象的固有认知，为这件作品注入了温柔且充满生机的气质。

Philippe Starck ，「最后的场所」（The Last Spot）

素以打破常规、挑战禁忌闻名的设计大师菲利普·斯塔克（Philippe Starck），在这次Alessi的"归寂之器"计划中，再次以叛逆姿态撕开传统禁忌的帷幕。他带来的两件作品如同冰与火的对话，一面是直击灵魂的极简主义，一面是充满荒诞诗意的超现实剧场。

名为「最后的场所」（The Last Spot）的人类骨灰坛，被斯塔克剥离成终极的存在宣言：下方沉稳的金属立方体托举着上方蚀刻人脸的透明玻璃方块，像一封写给虚无的情书。策展团队形容这件作品为"剥离一切文化符号的裸露之物"，其冷冽的几何构造如同存在主义的视觉公式，将死亡的本质凝练成最简洁的方程式。

而另一件名为「骨中骨」（Bone to Bone）的作品，则是斯塔克为死亡谱写的超现实狂想曲。这件形似金属脊椎骨的器物，被安放在散发着幽光的云朵状基座上，仿佛达利画笔下的梦境入侵了纪念空间，用超现实主义的戏谑重构生死隐喻。当策展人评价其作品"在逻辑与诗意间架起桥梁"时，斯塔克早已用设计语言完成了对死亡美学的颠覆性解读。

蔡明治，「藏于生活」（Hidden in Life）

来自中国的设计师蔡明治，将骨灰坛隐匿于一本厚重的"书"中。反光封面与可开启结构，使其成为日常书架上的静默陪伴。当纪念行为从仪式化转变为日常化，死亡的恐惧在日常的温柔中逐渐消融。

Giulio Iacchetti，「泪滴」（Teardrop）

意大利设计师Giulio Iacchetti为 Alessi 设计的“泪滴”（Teardrop），以黑色为主色调，整体造型圆润流畅，宛如一颗凝固的泪珠，被安放在一个大理石基座上。其设计允许多种不同的展示方式，既可以直立摆放，也可以倾斜放置，为使用者提供了根据空间布局和心境进行调整的自由度。

悬浮的立方体、凝固的泪珠、可拆分的图腾……这些容器在光影交错中成为思考生命的介质。在这个将死亡驱逐出公共讨论的时代，Alessi用设计重新邀请我们直面生命终点。正如阿莱西所言："这不是最后的容器，而是永恒对话的开端。"那些安静伫立的容器，既是往者的居所，也是生者的慰藉，更是文明延续的容器。或许，真正的永恒并不在彼岸，而在于我们如何以美学态度，与时间达成和解。

    

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